Mathieu Chiasson - Photo & Art

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Sunday, May 22, 2022 at 2:00 p.m.

Don't wait for the weekend. If you love taking pictures you should plan to do it any day of the week. I didn't every day of the week, merely any day.

The problem with weekends is that they're too short and too far apart. We should strive to make time during our week for our hobbies and passion. Otherwise, weekend shores will take over and our hobbies will die a slow boring death.

There's no need to plan anything big during the week, bring your camera on a walk a few times a week is just what's needed to keep that creativity ball rolling. Make a photo in your home or your backyard. Put some time aside for editing a few evenings a week.

Keep your hobbies moving, and stay active with your passions. You must have it on your mind more than one or two days a week.

N'attendez pas le week-end. Si vous aimez prendre des photos, vous devriez prévoir de le faire n'importe quel jour de la semaine. Je n'ai pas dit tous les jours de la semaine, simplement n'importe quel jour.

Le problème des week-ends est qu'ils sont trop courts et trop espacés. Nous devrions nous efforcer de trouver du temps pendant la semaine pour nos hobbies et nos passions. Sinon, les tâches du week-end prendront le dessus et nos hobbies mourront d'une mort lente et ennuyeuse.

Il n'est pas nécessaire de prévoir quelque chose d'important pendant la semaine, il suffit d'emmener son appareil photo en balade plusieurs fois par semaine pour que la créativité continue de tourner. Faites une photo dans votre maison ou dans votre jardin. Réservez du temps pour l'édition quelques soirs par semaine.

Gardez vos loisirs en mouvement et restez actif dans vos passions. Vous devez l'avoir à l'esprit plus d'un ou deux jours par semaine.

Talk

Friday, May 20, 2022 at 8:30 a.m.

The eternal debate about what can we consider art. I'm sure to write many posts like this. The idea is not to tell you what is art, or what I think is art but merely as a self-reflection.

The controversial Dadaism art piece of Marcel Duchamp is a great place to start this reflection journey. Those who know Duchamp know exactly which one I'm talking about. If you don't, I'm referring to his piece called "Fountain" which was a urinal. It created a lot of controversy at that time and still to this day.

But it did pioneered a whole new style of art that never existed before. Duchamp was original. And I love how Seth Godin puts it in his book Linchpin (Ok, I'm not going to lie, the primary purpose I wrote this article is just to share this quote.)

Marcel Duchamp was an artist when he pioneered Dadaism and installed a urinal in a museum. The second person to install a urinal wasn't an artist, he was a plumber.

Art is original. When you have an idea that doesn't fit in a genre, or with the popular point of view. Run with it.

L'éternel débat sur ce que l'on peut considérer comme de l'art. Je suis sûr d'écrire de nombreux articles comme celui-ci. L'idée n'est pas de vous dire ce qu'est l'art, ou ce que je pense être de l'art, mais simplement créer une réflexion personnelle.

L'œuvre controversée dadaïsme de Marcel Duchamp est un excellent point de départ pour ce voyage de réflexion. Ceux qui connaissent Duchamp savent exactement de quelle œuvre je parle. Si vous ne le savez pas, je fais référence à son œuvre intitulée "Fountain", qui était un urinoir. Elle a suscité une grande controverse à l'époque et encore aujourd'hui.

Mais il a été le pionnier d'un tout nouveau style d'art qui n'avait jamais existé auparavant. Duchamps était original. Et j'adore la façon dont Seth Godin le présente dans son livre Linchpin (Ok, je ne vais pas mentir, la raison première pour laquelle j'ai écrit cet article est juste pour partager cette citation).

Marcel Duchamp était un artiste quand il a été le pionnier du dadaïsme et a installé un urinoir dans un musée. La deuxième personne à avoir installé un urinoir n'était pas un artiste, mais un plombier.

L'art est original. Quand vous avez une idée qui ne correspond pas à un genre, ou au point de vue populaire. Foncez avec elle.

Talk

Thursday, May 19, 2022 at 7:30 a.m.

Let's get it out, I'm anti-niche. It's beyond me how some creators keep making the same things year after year. They find something that people love and then only do that. Having that kind of social attention must be motivating but to the point of only doing a single thing over and over? Not for me.

Unfortunately, social media is killing creativity (and a lot of other things but that's for another time). People who can consistently create the same material over and over are the ones that get the algorithm's attention. It's easy to find an audience for these posts. While if you create different things the algorithm won't know to what audience to show your next post hence it's not going to care much for you.

It's a bummer. Really.

I'm not saying to not share on social media, you will get some form of following from people who love what you do. But know that even those who follow you might not see your posts. Most follow many hundreds of people, to these add ads, random reels, and other suggestions from the social platform and you'd have to scroll through over a few thousand posts each day to keep up.

Art is not about creating something beautiful, once you've done the same thing a hundred times it has become a craft, not art. Craft can be extremely beautiful, but at that point, it has changed from a creative process to a repetitive process you've mastered.

Don't let social media tell you what you should do. Create. Try new things.

Je ne vais pas le cacher, je suis anti-niche. Je ne comprends pas comment certains créateurs peuvent continuer à faire les mêmes choses année après année. Ils trouvent quelque chose que les gens aiment et ne font que ça. Avoir ce genre d'attention sociale doit être motivant, mais au point de ne faire qu'une seule chose, encore et encore ? Pas pour moi.

Malheureusement, les médias sociaux tuent la créativité (et beaucoup d'autres choses, mais c'est pour une autre fois). Les personnes capables de créer constamment le même matériel sont celles qui attirent l'attention de l'algorithme. Il est facile de trouver un public pour ces messages. Alors que si vous créez des choses différentes, l'algorithme ne saura pas à quel public montrer votre prochain post.

C'est une déception. Vraiment.

Je ne dis pas de ne pas partager sur les médias sociaux, vous obtiendrez une certaine forme de suivi de la part de personnes qui aiment ce que vous faites. Mais sachez que même ceux qui vous suivent peuvent ne pas voir vos messages. La plupart d'entre eux suivent plusieurs centaines de personnes, auxquelles s'ajoutent des publicités, des "reel" aléatoires et d'autres suggestions de la plateforme sociale, et vous devrez faire défiler plus de quelques milliers de messages chaque jour pour suivre le rythme.

L'art ne consiste pas à créer quelque chose de beau, une fois que vous avez fait la même chose cent fois, c'est devenu un artisanat, pas un art. L'artisanat peut être extrêmement beau, mais à ce moment-là, il est passé d'un processus créatif à un processus répétitif que vous avez maîtrisé.

Ne laissez pas les médias sociaux vous dire ce que vous devez faire. Créez. Essayez de nouvelles choses.

Talk

Wednesday, May 18, 2022 at 8:15 a.m.

Here's a question that's been on my mind lately. How much should you practice before making "real work"?

I'm currently practicing/learning digital drawing to merge drawing and photography. At the moment, I am far from being able to draw at the level at which I want to. So should I keep learning and practicing until I'm good enough to make sharable work or should I be making work alongside while I learn?

Such a precarious dilemma worth repeating. Do I devote all my energy to practicing until good enough or do I weave my progress into my art?

I believe mixing both is the best way to go and that's what I've been doing. It is difficult to put in real work on some skills that you feel you haven't mastered. But, to keep things real, are we ever fully ready?

No.

That's why creating pieces of work to share with the world, no matter your current skill level is so important. That's how you learn what you like and that's how you can devote time and effort to the things that matter, what you love to do. A photographer who spends years learning how to shoot landscapes and after all this time realizes she prefers to shoot portraits. What a waste of time and effort.

Go and work on the things you love, share them with the world, and keep learning.

Voici une question qui me trotte dans la tête ces derniers temps. Jusqu'à quel point faut-il s'exercer avant de faire du "vrai travail" ?

Je suis actuellement en train de pratiquer/apprendre le dessin numérique pour fusionner le dessin et la photographie. Pour l'instant, je suis loin d'être capable de dessiner au niveau auquel je le voudrais. Dois-je continuer à apprendre et à m'exercer jusqu'à ce que je sois assez bon pour réaliser des œuvres partageables ou dois-je réaliser des œuvres parallèlement à mon apprentissage ?

Je crois qu'un mélange des deux est la meilleure solution et c'est ce que j'ai fait. Il est difficile de travailler réellement sur certaines compétences que l'on pense ne pas avoir maîtrisées. Mais, restons réaliste, a quel point sommes-nous totalement prêts ?

Jamais.

C'est pourquoi il est si important de créer des œuvres à partager avec le monde, quel que soit votre niveau de compétence actuel. C'est ainsi que l'on apprend et que l'on peut consacrer du temps et des efforts aux choses qui comptent, à ce que l'on aime faire. Un photographe qui passe des années à apprendre à photographier des paysages et qui, après tout ce temps, se rend compte qu'il préfère faire des portraits. Quelle perte de temps et d'efforts.

Allez travailler sur les choses que vous aimez, partagez-les avec le monde, et continuez à apprendre.

Talk

Tuesday, May 17, 2022 at 8:15 a.m.

When it comes to art there's this weird phenomenon where details seem to not matter. We've all looked at a painting and been marveled at the details and realism of the visual but once we moved closer noticed that it just a bunch of big paint blobs. Up close you can't make out a thing.

Our minds are incredibly good at piecing together missing details.

Yesterday, I was digitally drawing (trying to draw!) a realistic eye, and on my first attempt, I spent more time zoomed in on closer details, and after some time when I zoomed out the image made no sense whatsoever. The colors and shapes didn't work at all. So, I started over, this time from afar and using a bigger brush. The result was ten times better. Looking closer, it didn't look better but the whole was so much more coherent.

The same thing happens in photography. We often pay much attention to small details and forget to look at the photograph from afar. When editing, I always look at the thumbnail of the image to decide if the edit works or not and that tiny thumbnail is a better gauge to decide if the image is working than zooming in to look at finer details.

Fine details are important but don't forget to take a step back and "feel" if your image work. From far away that's when things like color harmony, composition, balance, and emotions will pop out.

En matière d'art, il existe un phénomène étrange où les détails semblent ne pas avoir d'importance. Il nous est arrivé à tous de regarder une peinture et d'être émerveillés par les détails et le réalisme du visuel, mais une fois que nous nous sommes approchés, nous avons remarqué que ce n'était qu'un tas de grosses taches de peinture. De près, on ne peut rien distinguer.

Notre esprit est incroyablement doué pour reconstituer les détails manquants.

Hier, je dessinais numériquement (j'essayais de dessiner !) un œil réaliste, et lors de ma première tentative, j'ai passé plus de temps à zoomer sur les détails les plus proches, et au bout d'un certain temps, lorsque j'ai dézoomé, l'image n'avait aucun sens. Les couleurs et les formes ne fonctionnaient pas du tout. J'ai donc recommencé, cette fois de loin et en utilisant un plus gros pinceau. Le résultat était dix fois meilleur. En regardant de plus près, ce n'était pas mieux, mais l'ensemble était tellement plus cohérent.

La même chose se produit en photographie. Nous accordons souvent beaucoup d'attention aux petits détails et nous oublions de regarder la photographie de loin. Lors d'un montage, je regarde toujours la vignette de l'image pour décider si le montage fonctionne ou non et cette minuscule vignette est un meilleur indicateur pour décider si l'image fonctionne que de zoomer pour regarder les détails plus fins.

Les détails fins sont importants mais n'oubliez pas de prendre du recul et de "sentir" si votre image fonctionne. De loin, c'est là que des éléments comme l'harmonie des couleurs, la composition, l'équilibre et les émotions apparaîtront.

Talk

Monday, May 16, 2022 at 7:30 a.m.

What's your goal when you go out to take pictures? Or when starting any type of art project. Do you want to share it on social media, print it, sell it, or anything else? What emotions you want to convey?

Imagine this cabinet maker. He's saying how frustrated he is with his progress. "I have been cutting pieces of wood for years, I cut wood with such precision," he's explaining "but my cabinets are lousy and don't have anything special about them." When pressed about his process, he explains that he starts by cutting the wood and then tries to make a cabinet with them, but the pieces don't fit.

Now that doesn't make sense, does it? You need to know what cabinet you're building before you cut the wood.

The same goes for anything you wish to create. Knowing what you want to make beforehand will make your art ten times better and you will learn so much faster because you have tangible things to look for and improve by completing your thoughts from start to finish.

Don't become an expert at cutting wood who cannot build cabinet. Many photographers are insanely proficient at snapping pictures but cannot create meaningful photographs. They are that cabinet maker.

Don't be that cabinet maker.

What are you going to make?

Quel est votre objectif lorsque vous sortez pour prendre des photos ? Ou lorsque vous commencez n'importe quel type de projet artistique. Voulez-vous la partager sur les médias sociaux, l'imprimer, la vendre, ou autre chose ? Quelles émotions voulez-vous transmettre ?

Imaginez un ébéniste. Il dit à quel point il est frustré par ses progrès. "Je découpe des pièces de bois depuis des années, je découpe le bois avec une telle précision", explique-t-il "mais mes armoires sont minables et n'ont rien de spécial." Lorsqu'on le presse sur son processus, il explique qu'il commence par couper le bois et qu'il essaie ensuite de fabriquer une armoire avec, mais les pièces ne s'emboîtent pas vraiment bien.

Cela n'a aucun sens, n'est-ce pas ? Vous devez savoir quelle armoire vous allez construire avant de couper le bois.

Il en va de même pour tout ce que vous souhaitez créer. En sachant à l'avance ce que vous voulez faire, votre art sera dix fois meilleur et vous apprendrez tellement plus vite parce que vous aurez des choses tangibles à rechercher et à améliorer en menant à bien vos réflexions du début à la fin.

Ne devenez pas un expert en coupe de bois qui ne sait pas construire une armoire. De nombreux photographes sont incroyablement compétents pour prendre des photos mais ne peuvent pas créer des photos pleines d'émotions. Ils sont cet ébéniste.

Ne soyez pas cet ébéniste.

Qu'allez-vous faire ?

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Or just visit my Ko-Fi page to look at some of my photos I post exclusively there.
Si vous avez aimez cet article, ou voulez simplement me donner un coup de main...



Ou visitez simplement ma page Ko-Fi pour voir des images que j'y ajoute exclusivement.

Saturday, May 14, 2022 at 8:15 a.m.

I wasn't completely truthful in my last post when I said I never come back to my images after I'm done editing them. It's true in the sense that I don't go back on the whole set of images I did, but I do go back, sometimes years later, to look at the images. So many times I find new images I didn't even pick before or I see one in a completely new way.

In these instances, I'll spend some time on a few images and make new edits to them. Maybe try Black and white or a very different crop. So far after taking them my attachment to the actual scene has gone and that gives me more creative freedom. It feels like I don't have anything to lose, I can't mess up because it's far in the past, and can be as creative as I want.

If you feel stuck in your creative process, going through some older images might help you bring bake your creative flame. You won't have the pressure of delivering images, just create something you love. Plus, you never know you might find some hidden gems that you didn't notice the first time you looked at them.

Happy treasure hunt!

Je n'ai pas été tout à fait honnête dans mon dernier article lorsque j'ai dit que je ne revenais jamais sur mes images après les avoir retouchées. C'est vrai dans le sens où je ne reviens pas sur l'ensemble des images que j'ai faites, mais j'y retourne, parfois même des années plus tard, pour les regarder. Il m'arrive souvent de trouver de nouvelles images que je n'avais pas choisies auparavant ou d'en voir une d'une manière totalement nouvelle.

Dans ces cas-là, je passe du temps sur quelques images et je les modifie. J'essaierai peut-être le noir et blanc ou un recadrage très différent. Jusqu'à présent, après les avoir prises, mon attachement à la scène réelle a disparu et cela me donne une plus grande liberté de création. J'ai l'impression que je n'ai rien à perdre, que je ne peux pas me tromper parce que c'est loin dans le passé, et que je peux être aussi créatif que je le veux.

Si vous vous sentez bloqué dans votre processus créatif, le fait de passer en revue des images plus anciennes peut vous aider à ranimer votre flamme créative. Vous n'aurez pas la pression de produire des images, créez simplement quelque chose que vous aimez. De plus, on ne sait jamais, vous pourriez trouver des joyaux cachés que vous n'avez pas remarqués la première fois que vous les avez regardés.

Bonne chasse au trésor !

Talk

Friday, May 13, 2022 at 7:15 a.m.

Should we wait, and if so, how long should we wait on an idea or project before sharing it? Yes and very little.

Life-long projects are a thing and everyone should have some of those endeavors that they hold close to their heart. But for the rest, we should aim to finish and go on to the next thing.

There is no perfect formula, some people produce daily others once a month. You must find your rhythm and stick to it. When I complete a drawing or finish editing a set of photos, I like to wait one day to have a fresh set of eyes to look at them and make final adjustments, and then it's done. I don't go back after that. Because there will always be minor adjustments to make. One day I may feel for warmer white balance and the next cooler tones. Our mood changes making it easy to fall into an infinite loop of minor tweaks.

This quick shipping of our work will help us grow faster, learn from our mistakes quickly and adapt to our audience if required.

What ever you do, do not let your work gather dust. It's meant to be shared, not be perfect.

Faut-il attendre, et si oui, combien de temps faut-il attendre sur une idée ou un projet avant de le partager ? Oui et très peu.

Les projets de toute une vie sont une chose et chacun devrait avoir certains de ces projets qui lui tiennent à cœur. Mais pour le reste, nous devrions viser à terminer et à passer à la prochaine chose.

Il n'y a pas de formule parfaite, certaines personnes produisent quotidiennement d'autres une fois par mois. Vous devez trouver votre rythme et vous y tenir. Lorsque j'achève un dessin ou que je termine l'édition d'une série de photos, j'aime attendre un jour pour avoir un regard neuf et faire les derniers ajustements, puis c'est terminé. Je ne reviens pas en arrière après cela. Parce qu'il y aura toujours des ajustements mineurs à faire. Un jour, je peux avoir envie d'une balance des blancs plus chaude et le lendemain de tons plus froids. Notre humeur changeant, il est facile de tomber dans une boucle infinie d'ajustements mineurs.

Cette expédition rapide de notre travail nous aidera à grandir plus vite, à apprendre rapidement de nos erreurs et à nous adapter à notre public si nécessaire.

Quoi que vous fassiez, ne laissez pas votre travail prendre la poussière. Il est destiné à être partagé, pas à être parfait.

Talk

Thursday, May 12, 2022 at 12:15 p.m.

I discussed luck in a previous post and how it is not as random as it seems. Now, what about coincidences. This has nothing to do with photography or art. Just in general, are coincidences a thing?

Some stuff happens in such coordinated ways that you question the odds of it even happening. And the more you look for these coincidences, the more they seem to happen.

Yesterday, I took out a book from Ryan Holiday from my basement. Just saw it laying on a shelf and thought hey I'll take it upstairs to peek at some of it. It's "The Daily Stoic" a series of daily thoughts on stoic philosophy. A few hours later comes a message from Ryan Holidays' newsletter. What are the odds? Note that Ryan very rarely sends newsletters, maybe a few a year at most. Nothing regular. And it happened to come in just a few hours after I dusted out his book.

It's fair to note that there is this subconscious mechanism that makes our minds notice things that occupy our thoughts. For example, if you're looking to buy a new car, let's say an Audi S3. You think it's a unique car and you've never actually seen anyone drive one of those. On your drive back home you come across six of them. Not so unique anymore. That's the core principle why negative people notice negative stuff while positive people notice positive things, it's what's on their minds.

But this doesn't explain instances like the Ryan Holiday Newsletter I experience where the after should have been before and vice versa. Technically, I should have read the newsletter and THAT should have given me the insight to get his book out. Not the other way around.

That's it. I don't have a solution or any clear thoughts other than it is a weird coincidence. I'm open to discussion on this. Does it happen to you, this "it can't be simple coincidence" kinda feeling?

J'ai parlé de la chance dans un article précédent et du fait qu'elle n'est pas aussi aléatoire qu'elle le semble. Maintenant, qu'en est-il des coïncidences ? Ceci n'a rien à voir avec la photographie ou l'art. D'une manière générale, les coïncidences existes-elles ?

Certaines choses se produisent de manière tellement coordonnée que vous remettez en question les chances qu'elles se produisent. Et plus vous cherchez ces coïncidences, plus elles semblent se produire.

Hier, j'ai sorti un livre de Ryan Holiday de ma cave. Je l'ai vu sur une étagère et je me suis dit que j'allais le prendre à l'étage pour jeter un coup d'oeil. C'est "The Daily Stoic", une série de pensées quotidiennes sur la philosophie stoïcienne. Quelques heures plus tard arrive un email de la newsletter de Ryan Holidays. Quelles sont les chances ? Notez que Ryan envoie très rarement des newsletters, peut-être quelques unes par an tout au plus. Rien de régulier. Et il se trouve que ce message est arrivé quelques heures seulement après que j'ai dépoussiéré son livre.

Il est juste de noter qu'il existe ce mécanisme subconscient qui fait que notre esprit remarque les choses qui occupent nos pensées. Par exemple, si vous cherchez à acheter une nouvelle voiture, disons une Audi S3. Vous pensez que c'est une voiture unique et vous n'avez jamais vu personne en conduire une. En rentrant chez vous, vous en croisez six. Elle n'est plus aussi unique. Elles ont toujours étés là, mais vous n'aviez simplement aucuns intétêts pour les Audi S3 avant ce jour. C'est le principe de base pour lequel les personnes négatives remarquent les choses négatives alors que les personnes positives remarquent les choses positives, c'est ce qu'elles ont en tête.

Mais cela n'explique pas les cas, comme celui de la lettre d'information de Ryan Holiday, où l'après aurait dû être l'avant et vice versa. Techniquement, j'aurais dû lire la newsletter et CELA aurait dû me donner l'idée de sortir son livre. Et non l'inverse.

Voilà, c'est tout. Je n'ai pas de solution ni de pensée claire, si ce n'est que tout ça est une étrange coïncidence. Je suis ouvert à la discussion sur ce sujet. Cela vous arrive-t-il, ce sentiment du genre "ça ne peut pas être une simple coïncidence" ?

Talk Philosophy

Wednesday, May 11, 2022 at 7:45 a.m.

Earlier this week I mentioned the importance to keep your practice going and your brain young by trying new things with photography or in any endeavors. Stay creative and avoid repeating the same pattern.

Now today, I'm taking this a step further by saying you should also engage in other fields altogether. If you're a photographer, try painting or music. How can you merge both into one thing? Music and photography don't sound compatible. How about videos using your music accompanied by your photography?

I admit that merging two art forms is a difficult task. How about writing? Everyone can write, and with practice, everyone can write beautifully. Adding some text to your photography is an excellent way to make your images more meaningful. It can be poetry or simply a short factual text of the scene. You can add how you felt at the moment or explain more about what people cannot see in the photograph. There are many ways to complement photographs with words.

The easiest place to start is by adding meaningful captions when you share photos on social media.

En début de semaine, j'ai mentionné l'importance de maintenir votre pratique et la jeunesse de votre cerveau en essayant de nouvelles choses en photographie ou dans toute autre activité. Restez créatif et évitez de répéter le même étapes.

Aujourd'hui, je vais aller plus loin en disant que vous devriez également vous engager dans d'autres domaines. Si vous êtes photographe, essayez la peinture ou la musique. Comment pouvez-vous fusionner les deux en une seule chose ? La musique et la photographie ne semblent pas compatibles. Que diriez-vous de vidéos utilisant votre musique accompagnée de votre photographie ?

J'admets que la fusion de deux formes d'art est une tâche difficile. Et l'écriture ? Tout le monde peut écrire, et avec de la pratique, tout le monde peut écrire magnifiquement. Ajouter du texte à vos photos est un excellent moyen de rendre vos images plus significatives. Il peut s'agir de poésie ou simplement d'un court texte factuel sur la scène. Vous pouvez ajouter ce que vous avez ressenti à ce moment-là ou expliquer davantage ce que les gens ne peuvent pas voir sur la photo. Il existe de nombreuses façons de compléter les photographies par des mots.

L'endroit le plus simple pour commencer est d'ajouter une description significatives lorsque vous partagez des photos sur les médias sociaux.

Talk

Tuesday, May 10, 2022 at 12:00 p.m.

Lots of people seek knowledge of how things are made which is normal if you want to learn. And many instructors teach by showing a series of easy to follow steps.

But where are art and creativity being taught in this?

If you're starting you must seek knowledge about the techniques of the crafts you want to pursue. Once you have the techniques, then you need to try them on your own, in your own personal way. Do the things that inspire you.

It's simple to follow instructions and recreate a similar result but it requires courage and practice to go outside those instructions and create something that is your own.

From the many courses I've done, most exercises that are given are set with very specific boundaries which usually remove any kind of creativity. It's easier and faster for students to complete, and it fits well in our fast-paced society.

If you are a student and want to learn, go outside what is asked in exercises and push yourself to think and create something that is your own.

If you are a teacher resist the urge to create simple step-by-step exercises because it's going to be simpler. At least end your teaching with something that will require the students to be creative. Have them make art.

Beaucoup de gens cherchent à savoir comment les choses sont fabriquées, ce qui est normal si vous voulez apprendre. Et de nombreux instructeurs enseignent en montrant une série d'étapes faciles à suivre.

Mais où l'art et la créativité sont-ils enseignés dans ce cadre ?

Si vous débutez, vous devez chercher à connaître les techniques de l'artisanat que vous souhaitez pratiquer. Une fois que vous avez les techniques, vous devez les essayer par vous-même, à votre manière personnelle. Faites les choses qui vous inspirent.

Il est simple de suivre des instructions et de recréer un résultat similaire, mais il faut du courage et de la pratique pour aller au-delà de ces instructions et créer quelque chose qui vous est propre.

D'après les nombreux cours que j'ai suivis, la plupart des exercices proposés ont des limites très précises qui suppriment généralement toute forme de créativité. C'est plus facile et plus rapide à réaliser pour les étudiants, et cela convient bien à notre société où tout est servi sur un plateau d'argent.

Si vous êtes un étudiant et que vous voulez apprendre, allez au-delà de ce qui est demandé dans les exercices et poussez-vous à penser et à créer quelque chose qui vous est propre.

Si vous êtes enseignant, résistez à l'envie de créer des exercices simples, étape par étape, simplement parce que ce sera plus simple et rapide. Terminez au moins votre enseignement par quelque chose qui demandera aux élèves d'être créatifs. Faites-leur faire de l'art.

Talk Creative

Monday, May 9, 2022 at 8:15 a.m.

Apparently, doing new things helps the brain to stay young.

What best way to challenge the mind than to engage in a creative endeavor?

Part of trying something new is to figure out how to make it work. In photography, for example, if you've never shot portraits you'll be confronted with many new things from the different types of lighting to the posing of the subject. The same goes for any new style you undertake.

It's not to say that becoming an expert by doing the same style for years is a bad thing. Even if you stick to the same style there is still a lot of room for creativity.

For the sake of your youthful brain, try something new at least once a month. Doesn't have to be something as drastic as trying a new genre. Can be as simple as...

  • Changing lens.
  • Trying out new post-processing.
  • Going for square format.
  • Using only black and white.
  • Adding a flash.
  • Switching camera.
  • Going out to different locations.

Go shoot something new.

Apparemment, faire de nouvelles choses aide le cerveau à rester jeune.

Quel meilleur moyen de stimuler l'esprit que de s'engager dans une activité créative ?

Essayer quelque chose de nouveau consiste en partie à trouver comment le faire fonctionner. En photographie, par exemple, si vous n'avez jamais fait de portraits, vous serez confronté à de nombreux éléments nouveaux, des différents types d'éclairage à la pose du sujet. Il en va de même pour tout nouveau style que vous entreprenez.

Cela ne veut pas dire que devenir un expert en pratiquant le même style pendant des années est une mauvaise chose. Même si vous vous en tenez au même style, il y a encore beaucoup de place pour la créativité.

Pour le bien de la jeunesse de votre cerveau, essayez quelque chose de nouveau au moins une fois par mois. Ce 'a pas forcément besoin d'être quelque chose d'aussi radical que d'essayer un nouveau genre. Ça peut être aussi simple que...

  • Changer d'objectif.
  • Essayer un nouveau post-traitement.
  • Adopter le format carré.
  • Utiliser uniquement le noir et blanc.
  • Ajouter un flash.
  • Changer d'appareil photo.
  • Se rendre dans des endroits différents.

Allez-y, photographier quelque chose de nouveau.

Talk Creative Photography

Sunday, May 8, 2022 at 9:45 a.m.

The saying "Practice makes perfect" isn't entirely true. It should say it like this:

"Deliberate practice will make you a better artist."

Perfection is an illusion. No one ever attained perfection, Leonardo Da Vinci never completed the Mona Lisa, he kept making modifications to it until he died.

Secondly, practicing alone won't make you better. It needs to be a deliberate practice where the aim is to improve and get better. In photography, I often use the example of the person who goes out every day to take pictures but keeps all his photos on his memory card for years before looking at them. How can you learn from your mistakes if you don't look for them?

Now, go out and practice. Learn from it. Repeat.

Le dicton "La pratique rend parfait" n'est pas tout à fait vrai. Il devrait être dit comme ceci :

"Une pratique délibérée fera de vous un meilleur artiste."

La perfection est une illusion. Personne n'a jamais atteint la perfection, Léonard de Vinci n'a jamais terminé la Mona Lisa, il a continué à y apporter des modifications jusqu'à sa mort.

Deuxièmement, la pratique seule ne vous rendra pas meilleur. Il doit s'agir d'une pratique délibérée dont le but est de s'améliorer et de devenir meilleur. En photographie, j'utilise souvent l'exemple de la personne qui sort tous les jours pour prendre des photos mais qui garde toutes ses photos sur sa carte mémoire pendant des années avant de les regarder. Comment pouvez-vous apprendre de vos erreurs si vous ne les regardez pas ?

Maintenant, sortez et pratiquez. Tirez-en des leçons. Répète.

Talk Photography Tips

Saturday, May 7, 2022 at 7:30 a.m.

We take a lot of pictures.

No matter what kind of sessions you've have, the good, the bad or the ugly, share one to three images. No less, no more.

Picking images from a "bad" session will force you to see images differently from your normal standard to find interesting elements in your images. You'd be surprised what you can find.

Picking no more than three images in a session where you find most image amazing will force you to find the best elements in your images.

Now share those images.

Nous prenons beaucoup de photos.

Quel que soit le type de séance que vous avez eu, la bonne, la mauvaise ou la moche, partagez une à trois images. Pas moins, pas plus.

Choisir des images d'une "mauvaise" session vous obligera à voir les images différemment de votre standard normal pour trouver des éléments intéressants dans vos images. Vous serez surpris de ce que vous trouverez.

En ne choisissant pas plus de trois images dans une session où vous trouvez la plupart des images étonnantes, vous serez obligé de trouver les meilleurs éléments dans vos images.

Maintenant, partagez ces images.

Talk

Friday, May 6, 2022 at 7:00 a.m.

Just an observation that I find interesting about how the two groups differ when they present themselves. Any group of people with similar interests have some odd "standards" that just are there and no one questions them much. It just is that way.

I've been in photography for over 5 years now and there are some things that almost all photographers do. Sort of a culture thing. Like adding an elegant electronic signature with "Photography" or "Photographer" under it. I always found it odd that they have to add "Photographer", but they pretty much all do it. Seems obvious if you took the picture, that you're the photographer. Maybe it's to highlight that they're a "real photographer" and not just someone with a camera. Still, usually "just someone with a camera" doesn't sign their photos. Anyhow, I probably did it at some point.

Now I hand sign my pictures, electronically for digital images and with an acid-free marker for my prints, kinda as a painter would do.

Now, I'm still not into the digital artist gang just yet but there's one thing that caught my attention. When I created my profile to join a discussion group I entered my name and my profile picture, myself in black and white (this is a very common type of profile picture among photographers). When I started looking at other profiles I noticed that most of them, way over ninety percent, were using odd aliases (Things like black_pencil45 or i_am_here or darkphantom) instead of their names with a drawing of some sort for their profile picture.

Nothing wrong with that. It just took me by surprise that barely anyone went by their own names or their own identity. Why not go as yourself and promote yourself? I'm not sure.

I find it interesting to see those types of standards within groups of people. They're always there. Lawyers do certain things, doctors, mechanics, painters, etc. Every group has its little quirks. I think, in general, we all want to belong and those little similarities are some unconscious ways to feel like we're part of that group.

Have you noticed similar trends or behaviors within your peers or other groups of people? Why do you think they do it?

C'est juste une observation que je trouve intéressante sur la façon dont les deux groupes diffèrent lorsqu'ils se présentent. Tout groupe de personnes ayant des intérêts similaires a des "normes" bizarres qui sont simplement là et que personne ne remet en question. C'est comme ça.

Je suis dans la photographie depuis plus de 5 ans maintenant et il y a des choses que presque tous les photographes font. C'est un peu une question de culture. Comme ajouter une signature électronique élégante sur ses photos avec "Photographie" ou "Photographe" en dessous. J'ai toujours trouvé étrange qu'ils doivent ajouter "Photographe", mais ils le font presque tous. Il semble évident que si vous avez pris la photo, vous êtes le photographe. Peut-être est-ce pour souligner qu'ils sont de "vrai photographes" et pas seulement quelqu'un avec un appareil photo. Pourtant, en général, les "quelqu'un avec un appareil photo" ne signent pas leurs photos. Quoi qu'il en soit, je l'ai probablement fait à un moment donné.

Maintenant, je signe mes photos à la main, électroniquement pour les images numériques et avec un marqueur sans acide pour les photos imprimmées, un peu comme le ferait un peintre.

Je ne fais pas encore partie de la bande des artistes numériques, mais il y a une chose qui a attiré mon attention. Lorsque j'ai créé mon profil pour rejoindre un groupe de discussion, j'ai saisi mon nom et ma photo de profil, moi-même en noir et blanc (c'est un type de photo de profil très courant chez les photographes). Quand j'ai commencé à regarder les autres profils, j'ai remarqué que la plupart d'entre eux, bien plus de quatre-vingt-dix pour cent, utilisaient des pseudonymes bizarres (des choses comme black_pencil45 ou i_am_here ou darkphantom) au lieu de leur nom, avec un dessin quelconque pour leur photo de profil.

Rien de mal à cela. J'ai juste été surpris de constater que presque personne ne se présente sous son propre nom ou sa propre identité. Pourquoi ne pas se présenter comme sois-même ? Je ne sais pas trop.

Je trouve intéressant de voir ces types de normes au sein des groupes de personnes. Ils sont toujours là. Les avocats font certaines choses, les médecins, les mécaniciens, les peintres, etc. Chaque groupe a ses petites particularités. Je pense qu'en général, nous voulons tous avoir un sentiment d'appartenance et ces petites similitudes sont des moyens inconscients de sentir que nous faisons partie de ce groupe.

Avez-vous remarqué des tendances ou des comportements similaires chez vos pairs ou dans d'autres groupes de personnes ? Pourquoi pensez-vous qu'ils le font ?

Talk

Wednesday, May 4, 2022 at 7:30 a.m.

About my rant from yesterday's post

Over the years, I've followed numerous courses and training. Mostly online. When I read the reviews there is inevitably one person who writes a bad review saying the course was rubbish and they didn't learn a single thing.

That is impossible.

You cannot not learn something from a course. Those who claim they don't are usually closed-minded people who will not listen to people with different opinions or methods than theirs. Hence, they will never be able to learn beyond their current level.

To grow and learn you need to expose yourself to new ideas. We're often not comfortable with new ideas. That doesn't mean they're bad.

I mean even if the teaching was bad, there's something to learn from that. There's something to learn from everything.

I’ll finish this with a quote (paraphrased from memory) from Jim Rohn.

"We should study unsuccessful people. Look at what they do and don't do it. Look at what they read and don't read it. What best way to learn what not to do than to watch what failures have done."

There's always a way to learn and find knowledge when you want to learn.

Tomorrow I'll go over some of the oddest books and classes I've learned from.

À propos de mon irritant d'hier...

Au fil des ans, j'ai suivi de nombreux cours et formations. La plupart du temps en ligne. Lorsque je lis les commentaires, il y a inévitablement une personne qui écrit une mauvaise critique en disant que le cours était nul et qu'elle n'a rien appris.

C'est impossible.

Vous ne pouvez pas ne pas apprendre quelque chose dans un cours. Ceux qui prétendent le contraire sont généralement des personnes fermées d'esprit qui n'écoutent pas les personnes ayant des opinions ou des méthodes différentes des leurs. Par conséquent, ils ne seront jamais capables d'apprendre au-delà de leur niveau actuel.

Pour grandir et apprendre, vous devez vous exposer à de nouvelles idées. Souvent, nous ne sommes pas à l'aise avec les idées nouvelles mais cela ne veut pas dire qu'elles sont mauvaises.

Je veux dire que même si l'enseignement était mauvais, il y a quelque chose à apprendre de cela. Il y a quelque chose à apprendre de tout.

Je terminerai par une citation (paraphrasée de mémoire) de Jim Rohn.

"Nous devrions étudier les personnes qui n'ont pas réussi. Regardez ce qu'ils font et ne le faites pas. Regardez ce qu'ils lisent et ne le lisez pas. Quel meilleur moyen d'apprendre ce qu'il ne faut pas faire que de regarder ce que les nuls font."

Il y a toujours un moyen d'apprendre et de trouver des connaissances quand on veut apprendre.

Demain, je passerai en revue certains des livres et des cours les plus inatendue des quels j'ai appris des choses intéressantes.

Talk

Tuesday, May 3, 2022 at 1:00 p.m.

I’ve gained a lot of new color and graphic concepts since I’ve started learning to paint digitally. But I’m also glad to say that photography has helped me quite a lot along the way with things like composition, form and colors.

Some exercises are quite simple for me since I’ve been paying attention to some of those things for years in photography while I see other students struggle with them.

I’ve always been a believer that all fields of life intertwine and no matter what subject you learn it can be beneficial in some way to other fields. I’m convinced musicians would find ways to apply their knowledge to painting, could be in the creative process or the discipline of learning the craft. Music is not all about notes and painting isn’t all about colors on a canvas.

This way of thinking is probably why I love to take on many different disciplines and cannot settle into one thing. One reason why I’ve settled in photography, is because it’s so expansive and I can create in many different styles. Now, I’m to incorporate drawing into photography.

No matter what you do, bring your baggage of experience with you. Use what you’ve learned in your life to complement your current journey. And also, when ever you learn something, don’t discount those teachings…

Warning, I’m about to rant…

You know what. I’ll keep this for tomorrow :)

J'ai acquis beaucoup de nouveaux concepts de couleurs et de graphisme depuis que j'ai commencé à apprendre à peindre numériquement. Mais je suis également heureux de dire que la photographie m'a beaucoup aidé, notamment en ce qui concerne la composition, la forme et les couleurs.

Certains exercices sont assez simples pour moi, car je fais attention à certains de ces éléments depuis des années en photographie, alors que je vois d'autres étudiants avoir de la difficulté.

J'ai toujours été convaincu que tous les domaines de la vie s'entrecroisent et que, quelle que soit la matière que vous apprenez, elle peut être bénéfique d'une manière ou d'une autre à d'autres domaines. Je suis convaincu que les musiciens trouveraient des moyens d'appliquer leurs connaissances à la peinture, que ce soit dans le processus créatif ou dans la discipline de l'apprentissage. La musique n'est pas qu'une question de notes et la peinture n'est pas qu'une question de couleurs sur une toile.

Cette façon de penser est probablement la raison pour laquelle j'aime m'adonner à de nombreuses disciplines différentes et que je ne peux pas m'installer dans une seule chose. Si j'ai choisi la photographie, c'est notamment parce qu'elle est très vaste et que je peux créer dans de nombreux styles différents. Maintenant, je vais intégrer le dessin à la photographie.

Peu importe ce que vous faites, apportez votre bagage d'expériences avec vous. Utilisez ce que vous avez appris dans votre vie pour compléter votre voyage actuel. Et aussi, quand vous apprenez quelque chose, ne négligez pas ces enseignements...

Ce qui m'apporte à un point qui m'irrite beaucoup...

Vous savez quoi ? Je vais garder ça pour demain :)

Talk Photography Digital Painting Creative

Monday, May 2, 2022 at 12:30 p.m.

Composition in photography or any visual art is the way all elements are positioned in the art piece. Having a person in the middle of a photo, the horizon line halfway at the top, things like that.

There are many compositional "rules" to follow to make a photography more appealing. The most popular one is the rule of third, positioning important elements on imaginary lines that divides your image in three parts horizontally and vertically. But there are many others like symmetry, golden ratio and elements such as leading lines, framing, etc.

Some people doesn't like to follow rules. Like me when it comes to art I like to do my own things. But I still use these constantly in my photography and art. Why? Because, by nature these rules are attempts to explain what is natural and pleasing to our perception. You know that feeling you have sometime that something is pleasing but don't know why? Compositional rules might be one of the reason.

One major issue about those rules that I see is that many people, mostly people with experience in photography or visual art, will stick to the rule of thirds and dismiss everything else. Beginner photographers will come along and get very direct feedback like "Oh, your horizon is in the middle, it SHOULD be on one of your thirds down or up." Too many people have talked about the rule of thirds and many sees it as the measure of a good composition. But there are many other ways to make a pleasing composition*. Beginners don't know all these, but they come naturally with intentional practice and analyzing what you like and not in your or others photography.

Lately, I've been using the Fibonacci spiral (or golden spiral or golden ratio) to align my elements in my photos. It is close to the rule of third but slightly different. For one, it cannot be applied to any ratio of photos (i.e. doesn't work in squares) , only photos with a ratio of 1:1.61. Which makes things a little tricky but I love the results.

Bottom line, the rule of third is not absolute. BUT as long as someone doesn't know how to align elements in a pleasing manner, it is by far the easiest way to help make your photos more coherent. Don't let comments about not following the rule of third slow you down. When you receive such comments, stop and look at your image. Are elements just randomly happened like that or did you purposefully aligned them that way. If so, ask why you like it like that. Analyze and keep shooting.

* Note that if you want to create an uneasy feeling in your viewer, breaking those rule is a great way to do it. But expect people to not get it and point at your compositional "faux-pas" :)

La composition en photographie ou dans tout art visuel est la manière dont tous les éléments sont positionnés dans l'œuvre d'art. Par exemple, avoir une personne au milieu d'une photo, la ligne d'horizon à mi-chemin en haut, des choses comme ça.

Il existe de nombreuses "règles" de composition à suivre pour rendre une photographie plus attrayante. La plus populaire est la règle du tiers, qui consiste à positionner les éléments importants sur des lignes imaginaires qui divisent votre image en trois parties horizontales et verticales. Mais il en existe beaucoup d'autres comme la symétrie, le nombre d'or et des éléments tels que les lignes directrices, le cadrage, etc.

Certaines personnes n'aiment pas suivre des règles. Comme moi, quand il s'agit d'art, j'aime faire mes propres choses. Mais je continue à utiliser ces règles constamment dans ma photographie et mon art. Pourquoi ? Parce que, par nature, ces règles sont des tentatives d'expliquer ce qui est naturel et agréable à notre perception. Vous savez, ce sentiment que vous avez parfois, que quelque chose est agréable mais que vous ne savez pas pourquoi ? Les règles de composition peuvent en être une des raisons.

Le problème majeur de ces règles est que beaucoup de gens, surtout ceux qui ont de l'expérience en photographie ou en art visuel, s'en tiennent à la règle des tiers et rejettent tout le reste. Les photographes débutants reçoivent souvent des commentaires très directs tels que "Oh, votre horizon est au milieu, il DEVRAIT être sur l'un de vos tiers vers le bas ou vers le haut". Trop de gens ont parlé de la règle des tiers et beaucoup la considèrent comme la seule mesure d'une bonne composition. Mais il existe de nombreuses autres façons de réaliser une composition agréable*. Les débutants ne les connaissent pas toutes, mais elles viennent naturellement avec une pratique intentionnelle et l'analyse de ce que vous aimez et n'aimez pas dans votre photographie ou celle des autres.

Dernièrement, j'utilise la spirale de Fibonacci (ou spirale d'or ou ratio d'or) pour aligner les éléments de mes photos. Elle est proche de la règle du tiers, mais légèrement différente. D'une part, elle ne peut pas être appliquée à n'importe quel rapport de photos (par exemple elle ne fonctionne pas avec les carrés), mais uniquement aux photos dont le rapport est de 1:1,61. Ce qui rend les choses un peu compliqués, mais j'adore les résultats.

En résumé, la règle du tiers n'est pas absolue. MAIS tant que quelqu'un ne sait pas comment aligner des éléments de manière agréable, c'est de loin le moyen le plus simple d'aider à rendre vos photos plus cohérentes. Ne laissez pas les commentaires concernant le non-respect de la règle du tiers vous ralentir. Lorsque vous recevez de tels commentaires, arrêtez-vous et regardez votre image. Les éléments sont-ils arrivés comme ça par hasard ou les avez-vous alignés délibérément de cette façon ? Si c'est le cas, demandez-vous pourquoi vous les aimez comme ça. Analysez et continuez à photographier.

* Notez que si vous voulez créer un sentiment de malaise chez votre spectateur, enfreindre ces règles est un excellent moyen d'y parvenir. Mais attendez-vous à ce que les gens ne comprennent pas et pointent du doigt votre "faux-pas" de composition :)

Talk Tips Photography

Friday, April 29, 2022 at 2:00 p.m.

It's inevitable, almost all great photos has some element of luck in them. Are photographers that modest that they attribute their success to luck or is it really luck.

My take is that it is luck.

Now, luck only means that some element in the photos was out of control from the photographer's influence. And it turned out that that specific things is the element that makes the photo a masterpiece.

But then, why do great photographers keep getting these so called "lucky" photos?

That is simple, they keep showing up.

They come in prepared, everyday or very often, to take the shot. Sometimes, you're plain lucky and get an amazing shot just like that. But for the rest of the people they keep at it. Ask landscape photographers if they've one once woke up at 4AM to get their magical sunrise image. You know the answer.

This is exactly what Wayne Gretzky meant when he said,

You miss 100% of the shots you don't take.

I'm Canadian so I'll keep on that hockey analogy. If you get to watch professional hockey nowadays, and just look at goals you'll notice that most goals are just plain luck. The player shoots through players, the puck deflects 4 times before ending in the back of the net. Was that intentional? No. Then why did the player take that shot? Is it 100% pure luck? Most of it yes, but there is part of it that is from skill they know about the right time when they can get some luck. For starters, they shoot towards the net.

Back to photography, if you want beautiful sunrise photos, you need to get up early. No matter how many times you get up at 10AM to catch the sunrise, you just won't get lucky. Then with experience, you'd start to have a feel of when the weather is going to be great for beautiful sunrise. It's not going to be perfect, but you'll have better "luck". And etc.

Show up. Gather experience from the failed experience. Show up again. And repeat. That is the formula for "luck".

C'est inévitable, presque toutes les grandes photos comportent une part de chance. Les photographes sont-ils si modestes qu'ils attribuent leur succès à la chance ou est-ce vraiment de la chance ?

À mon avis, c'est de la chance.

La chance signifie seulement qu'un élément de la photo était hors de contrôle par rapport à l'influence du photographe. Et il s'avère que cette chose spécifique est l'élément qui fait de la photo un chef-d'œuvre.

Mais alors, pourquoi les grands photographes obtiennent-ils toujours ces photos dites "chanceuses" ?

C'est simple, ils se présentent toujours.

Ils arrivent prêts, tous les jours ou très souvent, à prendre la photo. Parfois, vous êtes tout simplement chanceux et vous obtenez une photo incroyable, juste comme ça. Mais pour le reste des gens, ils continuent. Demandez à un photographe paysagiste s'il s'est levé qu'une seule fois à 4 heures du matin pour obtenir son image magique du lever du soleil. Vous connaissez la réponse.

C'est exactement ce que Wayne Gretzky voulait dire quand il a dit,

Vous ratez 100% des tirs que vous ne prenez pas.

Je suis Canadien, alors je vais continuer à faire cette analogie avec le hockey. Si vous regardez le hockey professionnel de nos jours et que vous observez les buts, vous remarquerez que la plupart des buts sont le fruit du hasard. Le joueur tire à travers les joueurs, la rondelle dévie 4 fois avant de finir au fond du filet. Était-ce intentionnel ? Non. Alors pourquoi le joueur a-t-il effectué ce tir ? Est-ce de la pure chance à 100 % ? La plupart du temps oui, mais il y a une partie qui provient de l'habileté, ils connaissent le bon moment où ils peuvent avoir de la chance. Pour commencer, ils tirent vers le filet. Si vous voulez de belles photos de levé de soleil, vous devez vous lever tôt.

Retour à la photographie, peu importe combien de fois vous vous levez à 10 heures du matin pour attraper le lever du soleil, vous n'aurez pas de chance. Ensuite, avec l'expérience, vous commencerez à avoir une idée du moment où le temps sera idéal pour un beau lever de soleil. Ce ne sera pas toujours parfait, mais vous aurez plus de "chance". Et ainsi de suite.

Soyez présent. Recueillir l'expérience de l'expérience ratée. Se présenter à nouveau. Et répétez. C'est la formule de la "chance".

Talk Philosophy Photography Creative

Thursday, April 28, 2022 at 4:15 p.m.

Well. I'm too lazy to make bigger ones :)

Actually, that's not it at all. Even though I admit making longer posts with images and links to things takes a lot of effort.

The proper reason comes from Seth Godin. I am a big fan of his. Many of his books touches on similar subjects but my hands down favorite is The Icarus Deception (See I'm not even adding a link to his book, people who are truly interested in books will look them up on their favorite platforms :) ). Seth has a mind set of "doing doing doing" when it comes to art or creating anything. He sees art, and I agree with his view on this, as any endeavor that ask you to create something. Creating an beautiful coherent spreadsheet is as much an art form as making a painting. And think about it, many painters are void of creativity, they follow the same process over and over and some entrepreneurs actively find creative ways to run their businesses.

Every one creates.

Ok, I went a little off topic here.

I've decided to write these smaller post so that I can write them more often (Seth suggest daily) which will keep my mind active on my art, there's no better way to stay creative than by writing. And maybe, who knows, some of you will find these useful or interesting.

"Just write. Write poorly. Continue to write poorly, in public, until you can write better. [...] Do it everyday. Every single day. [...] Clear, crisp, honest writing about what you see in the world. Or want to see. Or Teach (in writing). Tell us how to do something." - Seth Godin, The Icarus Deception

Eh bien. Je suis trop paresseux pour en faire des plus grands :)

En fait, ce n'est pas du tout ça. Même si j'admets que faire des posts plus longs avec des images et des liens vers des choses demande beaucoup d'efforts.

La bonne raison vient de Seth Godin. Je suis un de ses grands fans. Beaucoup de ses livres traitent de sujets similaires, mais mon préféré est The Icarus Deception (je ne vais même pas ajouter un lien vers son livre, les gens qui s'intéressent vraiment aux livres les chercheront sur leurs plateformes préférées :) ). Seth a un état d'esprit de "faire faire faire" quand il s'agit d'art ou de création. Il considère l'art, et je suis d'accord avec lui sur ce point, comme toute activité qui vous demande de créer quelque chose. Créer une belle feuille de calcul cohérente est tout autant une forme d'art que de faire une peinture. Et pensez-y, de nombreux peintres sont dépourvus de créativité, ils suivent le même processus encore et encore et certains entrepreneurs trouvent activement des moyens créatifs de gérer leur entreprise.

Tout le monde crée.

Ok, je me suis un peu éloigné du sujet ici.

Donc, j'ai décidé d'écrire ces petits billets pour pouvoir les écrire plus souvent (Seth suggère tous les jours), ce qui me permettra de garder l'esprit actif sur mon art, il n'y a pas de meilleur moyen de rester créatif que d'écrire. Et peut-être, qui sait, que certains d'entre vous les trouveront utiles ou intéressants.

"Just write. Write poorly. Continue to write poorly, in public, until you can write better. [...] Do it everyday. Every single day. [...] Clear, crisp, honest writing about what you see in the world. Or want to see. Or Teach (in writing). Tell us how to do something." - Seth Godin, The Icarus Deception

Talk

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