Moins de couleur égale une photographie plus facile, n'est-ce pas ? En fait, pas du tout.

Le week-end dernier, j'ai décidé de photographier uniquement en noir et blanc. On pourrait penser que j'aurais essayé cela il y a longtemps, mais même si j'aime les images en noir et blanc, je ne me suis jamais concentré uniquement sur le noir et blanc. Cette fois, j'ai choisi le profil Fujifilm noir et blanc ACROS sur mon appareil photo et j'ai vu le monde sans couleurs pendant tout un week-end.

Comment cela s'est-il passé ?

D'abord, j'ai adoré. Voir tout en gris amène la photographie à un tout autre niveau. J'ai remarqué des choses différentes de d'habitude. Dans l'ensemble, il était plus facile de prendre des photos. Mais c'est là que la facilité s'arrête...

Ensuite, l'exposition devient extrêmement délicate lorsqu'on regarde un écran en noir et blanc. Vous voulez du contraste, mais si vous le poussez trop loin, vous obtiendrez des blancs gonflés ou des ombres trop sombres. Nous avons eu une matinée de brouillard, donc tout était très blanc et trouver la bonne exposition était difficile.

Ensuite, en post-production, c'est devenu encore plus compliqué. Je n'avais jamais réalisé combien de possibilités différentes on peut choisir pour la photographie en noir et blanc.

Morale de l'histoire... Je suis très mauvais en noir et blanc et je dois passer beaucoup plus de temps à développer cette compétence pour pouvoir donner des conseils à ce sujet. La photographie est un voyage d'apprentissage sans fin. Quel que soit votre niveau, il y a toujours quelque chose de plus à apprendre. Je pensais connaître le noir et blanc parce que j'ai réussi à convertir de nombreuses images en couleur en noir et blanc. Mais le fait de m'engager dans tout le processus m'a prouvé que j'avais tort... et je n'avais même pas commencé à imprimer. Oh boy !

P.S. : Je partagerai des images du week-end dernier dans les semaines à venir. N'oubliez pas de vous inscrire à ma newsletter pour recevoir les mises à jour de mon blog !

Ce n'est pas moi ce photographe, bien que j'aime l'idée de voyager léger. Mais je n'en ai pas la volonté. Je suis actuellement en train de préparer quelques jours de photographie et je ne peux pas laisser un seul objectif derrière moi. C'est déchirant. Je peux laisser ma filles et ma femme à la maison sans problème, mais les objectifs doivent venir avec moi :)

Au moins, je ne possède pas trop de matériel. J'ai tout le nécessaire pour couvrir presque toutes les situations, et je n'ai pas de gadgets dont je ne me sers pas. J'utilise ce que je possède.

Mais la préparation d'un voyage photographique où nous n'avons rien de spécifique de prévu, juste de l'exploration, rend difficile de choisir à l'avance ce que j'utiliserai le plus.

Je prévois d'utiliser principalement ma 25 mm pour la photographie de ville, je vais essayer de rester léger pour cela. C'est un choix étrange, mon objectif manuel le moins cher, mais j'adore le vignettage et la douceur de l'objectif. Il crée des images d'aspect vintage que j'aime et la mise au point manuelle m'oblige à prendre plus mon temps.

Pour le reste, je vais devoir décider sur place ce que je vais faire. Même si je peux caser tous mes objectifs dans mon sac photo, j'aimerais rester léger et limiter mes choix d'objectifs pour ne pas changer tout le temps.

Pouvez-vous voyager léger ? Si vous ne deviez emporter qu'un seul objectif en voyage, lequel serait-il ?

Garder son matériel léger et confortable tout en ne s'encombrant pas de trop de choix est une très bonne façon de faire, mais c'est juste difficile de quitter la porte de cette façon. Qu'en pensez-vous ?

Lorsqu'il s'agit de photographie, la lumière est tout. Sans lumière, pas de photos. Mais cela va au-delà de cette nécessité de base. La lumière est responsable de la mise en forme de l'ensemble de votre image. Elle crée l'ambiance, ajoute de l'émotion et amplifie l'effet dramatique.

Quelle différence y a-t-il entre la vue d'une ville en plein jour et au coucher du soleil ?

Avez-vous déjà remarqué comment les ombres peuvent créer de superbes formes ?

La lumière peut faire ou défaire une photo. Attendre la bonne lumière est crucial pour faire de bonnes photos. Essayez de prendre des photos de la même scène à différents moments de la journée. Essayez de photographier en direction du soleil et avec le soleil derrière vous. Le matin, cherchez les belles ombres du soleil levant qui passent à travers les fenêtres de votre maison.

L'une de mes façons préférées de photographier la lumière est d'utiliser un objectif long (disons plus de 90 mm) directement vers le soleil, peut-être une heure avant le coucher du soleil. Vous pouvez photographier un paysage ou zoomer sur un objet et cette distance focale, associée à la lumière, créera une superbe lumière douce.

Y a-t-il des types de lumière que vous aimez photographier ? Avez-vous expérimenté différentes situations d'éclairage ?

Cherchez la lumière.

J'ai vu cette citation ou ce post dernièrement disant "Je ne suis pas un créateur de contenu, je suis un artiste". Cela sonne vrai lorsqu'il s'agit des médias sociaux et de la façon dont les gens deviennent " performants " sur ces plateformes.

Pour attirer l'attention des algorithmes des médias sociaux, vous devez devenir un créateur de contenu. Quelqu'un qui produit constamment du nouveau contenu. Et ce contenu doit être, pour l'essentiel, de même nature et adapté à un seul public. À mon avis, c'est le contraire de ce que devrait être l'art. Un artiste doit produire de l'art de manière constante, mais cela ne signifie pas qu'il doit avoir de nouvelles œuvres d'art tous les jours. Travailler sur un projet artistique demande du temps et des efforts constants.

La création de contenu enlève toute émotion à l'art car elle vise à plaire à un robot. L'algorithme qui décide de ce qui mérite d'être montré aux gens est un processus mathématique sans vie. Il n'a rien à voir avec les émotions humaines. Tout ce qu'il peut faire, c'est associer tel ou tel contenu similaire à tel ou tel groupe de personnes similaires. Si un chef-d'œuvre émerge de cette masse de contenu mais ne correspond pas au reste, il sera ignoré par les robots sans émotions.

Est-ce ainsi que nous voulons que l'art soit jugé et regardé ? Les médias sociaux sont-ils un lieu de partage de l'art ? Existe-t-il un meilleur moyen d'atteindre notre public ?

Je photographie presque exclusivement avec des objectifs primaires. Ces objectifs n'ont pas de capacité de zoom. À mon avis, l'utilisation d'objectifs primaires présente de nombreux avantages, mais aujourd'hui, je souhaite uniquement mettre l'accent sur la partie mouvement et sur le fait qu'il s'agit de l'un des meilleurs moyens d'améliorer votre photographie.

Lorsque vous voulez faire plus qu'une seule image de quelque chose avec un objectif primaire, vous devez bouger pour obtenir différentes images. Si vous restez immobile, il n'y a pas grand-chose qui va changer dans vos images, à moins que votre scène ne soit en mouvement. Vous devez donc bouger. Vous vous déplacez sur les côtés, vers le haut et vers le bas. Vous vous rapprochez et vous vous éloignez.

Le fait de bouger pour réaliser des images différentes vous oblige à " être " davantage dans la scène. Vous avez l'impression d'interagir avec l'ensemble de l'environnement et pas seulement avec le sujet. Vous devenez plus attentif à l'arrière-plan et à tous les éléments qui vous entourent.

Essayez de photographier avec un objectif principal pendant un certain temps et vous verrez à quel point votre perspective change.

Au pire, vous aurez fait un peu plus d'exercise !

Que se passe-t-il lorsque nous sommes sur la route ou dans une situation qui sort complètement de notre routine habituelle ? Est-ce qu'on continue à s'entraîner, à prendre des photos et, dans mon cas, à écrire ces articles de blog ou est-ce qu'on attend d'être de retour à la maison ?

Je n'ai jamais cru qu'il fallait se comporter différemment en fonction de la situation, mais je dois admettre qu'il est difficile de continuer quand on est en dehors de son environnement. En même temps, maintenir l'élan est crucial pour tous les projets que nous pouvons entreprendre. Il y a trop d'excuses pour faire une pause ou ralentir pour laisser un changement de circonstances vous arrêter.

Continuez sur votre lancée !

Et je posterai demain pendant mon absence de la maison.

Comme dans tout domaine, il existe des règles non écrites en photographie. Le problème de ces règles non écrites est qu'elles sont différentes pour chacun. Ce qui signifie qu'il n'y a pas de règles non écrites? Pas complètement.

Alors pourquoi s'intéresser aux règles non écrites ?

Je ne le fais pas, mais c'est parce que je considère ma photographie comme une expression artistique. Je dessine même sur mes photos.

Mais si vous souhaitez évoluer dans un certain domaine ou genre, vous devez prêter attention aux tendances et à la façon dont ces photos sont perçues par le public et les autres photographes.

Par exemple, manipuler des images dans le cadre d'un travail documentaire ne fera pas bonne impression. L'objectif du travail documentaire est de montrer la scène aussi fidèlement que possible.

Si vous voulez participer à des concours, il faut faire attention à certaines choses, sinon vous n'aurez aucune chance, quelle que soit la qualité de vos photos.

En résumé, sachez ce que le public recherche et comment les autres photographes présentent leur travail. Il est possible de jouer avec ces règles, mais...

1. Ne mentez jamais, si vous dérogez à une règle, soyez franc. Dites pourquoi vous travaillez de cette façon sur cette photo. La tromperie n'est jamais une bonne voie.
2. Soyez fidèle à vous-même, vous pouvez être confronté si vous sortez des sentiers battus, mais expliquez votre point de vue objectivement et continuez à créer en gardant le point 1 à l'esprit.

Lorsque vous avez fini de prendre des photos dans une scène, arrêtez-vous et retournez-vous. Puis demandez-vous : qu'y a-t-il d'autre ?

Lorsque vous faites des portraits, surtout avec un modèle qui est aussi là pour affiner ses compétences, le moment où vous vous regardez tous les deux et dites : "Je pense qu'on a fini." C'est à ce moment-là que vous retournez prendre d'autres photos.

Pour s'améliorer et devenir meilleur, il faut aller au-delà de ce qui vous vient naturellement. Trouver ces quelques angles ou poses supplémentaires est ce qui vous fera grandir en tant qu'artiste. Si vous vous en tenez à ce qui vous vient naturellement, vous affinerez votre art, mais allez au-delà et vous augmenterez votre créativité.

C'est comme faire ces quelques levées supplémentaires lorsque vous vous entraînez au gym, c'est ces quelques petites répétitions additionelles qui feront la différence. Ces quelques images supplémentaires après que vous pensiez avoir tout vu sont celles qui feront le plus travailler les muscles de votre créativité.

Allez travailler votre créativité.

Ce n'est un secret pour personne : pour être un bon photographe, il faut savoir comment utiliser son appareil. Il doit vous donner l'impression d'être une extension de vous-même pour que vous puissiez vous concentrer sur la réalisation de vos photos.

Cela dit, vous n'avez pas besoin d'être un gourou technique ou de connaître toutes les fonctions de votre appareil. Au contraire, il vous suffit de savoir ce que vous devez savoir. Et cela varie en fonction de votre style et de ce que vous photographiez.

De nombreux artistes professionnels connaissent à peine leur appareil photo, mais si vous les interrogez sur les façons spécifiques dont ils l'utilisent pour leur type de photographie, ils les connaissent parfaitement.

Les photographes paysagistes connaissent les filtres, alors que les photographes portraitistes n'en ont pas besoin.

Les photographes de portrait connaissent l'éclairage Rembrandt alors que les photographes de paysage n'en ont pas besoin.

Les photographes de sport doivent savoir exactement comment régler leur vitesse d'obturation.

L'important est donc de connaître les techniques correspondant à ce que vous voulez photographier. Le reste n'a pas d'importance. Si vous n'êtes pas sûr de vous, le meilleur point de départ est de demander à des personnes qui réalisent le type d'images que vous souhaitez photographier et de leur demander quels aspects techniques sont importants pour ce type de photographie.

N'attendez pas le week-end. Si vous aimez prendre des photos, vous devriez prévoir de le faire n'importe quel jour de la semaine. Je n'ai pas dit tous les jours de la semaine, simplement n'importe quel jour.

Le problème des week-ends est qu'ils sont trop courts et trop espacés. Nous devrions nous efforcer de trouver du temps pendant la semaine pour nos hobbies et nos passions. Sinon, les tâches du week-end prendront le dessus et nos hobbies mourront d'une mort lente et ennuyeuse.

Il n'est pas nécessaire de prévoir quelque chose d'important pendant la semaine, il suffit d'emmener son appareil photo en balade plusieurs fois par semaine pour que la créativité continue de tourner. Faites une photo dans votre maison ou dans votre jardin. Réservez du temps pour l'édition quelques soirs par semaine.

Gardez vos loisirs en mouvement et restez actif dans vos passions. Vous devez l'avoir à l'esprit plus d'un ou deux jours par semaine.

L'éternel débat sur ce que l'on peut considérer comme de l'art. Je suis sûr d'écrire de nombreux articles comme celui-ci. L'idée n'est pas de vous dire ce qu'est l'art, ou ce que je pense être de l'art, mais simplement créer une réflexion personnelle.

L'œuvre controversée dadaïsme de Marcel Duchamp est un excellent point de départ pour ce voyage de réflexion. Ceux qui connaissent Duchamp savent exactement de quelle œuvre je parle. Si vous ne le savez pas, je fais référence à son œuvre intitulée "Fountain", qui était un urinoir. Elle a suscité une grande controverse à l'époque et encore aujourd'hui.

Mais il a été le pionnier d'un tout nouveau style d'art qui n'avait jamais existé auparavant. Duchamps était original. Et j'adore la façon dont Seth Godin le présente dans son livre Linchpin (Ok, je ne vais pas mentir, la raison première pour laquelle j'ai écrit cet article est juste pour partager cette citation).

Marcel Duchamp était un artiste quand il a été le pionnier du dadaïsme et a installé un urinoir dans un musée. La deuxième personne à avoir installé un urinoir n'était pas un artiste, mais un plombier.

L'art est original. Quand vous avez une idée qui ne correspond pas à un genre, ou au point de vue populaire. Foncez avec elle.

Je ne vais pas le cacher, je suis anti-niche. Je ne comprends pas comment certains créateurs peuvent continuer à faire les mêmes choses année après année. Ils trouvent quelque chose que les gens aiment et ne font que ça. Avoir ce genre d'attention sociale doit être motivant, mais au point de ne faire qu'une seule chose, encore et encore ? Pas pour moi.

Malheureusement, les médias sociaux tuent la créativité (et beaucoup d'autres choses, mais c'est pour une autre fois). Les personnes capables de créer constamment le même matériel sont celles qui attirent l'attention de l'algorithme. Il est facile de trouver un public pour ces messages. Alors que si vous créez des choses différentes, l'algorithme ne saura pas à quel public montrer votre prochain post.

C'est une déception. Vraiment.

Je ne dis pas de ne pas partager sur les médias sociaux, vous obtiendrez une certaine forme de suivi de la part de personnes qui aiment ce que vous faites. Mais sachez que même ceux qui vous suivent peuvent ne pas voir vos messages. La plupart d'entre eux suivent plusieurs centaines de personnes, auxquelles s'ajoutent des publicités, des "reel" aléatoires et d'autres suggestions de la plateforme sociale, et vous devrez faire défiler plus de quelques milliers de messages chaque jour pour suivre le rythme.

L'art ne consiste pas à créer quelque chose de beau, une fois que vous avez fait la même chose cent fois, c'est devenu un artisanat, pas un art. L'artisanat peut être extrêmement beau, mais à ce moment-là, il est passé d'un processus créatif à un processus répétitif que vous avez maîtrisé.

Ne laissez pas les médias sociaux vous dire ce que vous devez faire. Créez. Essayez de nouvelles choses.

Voici une question qui me trotte dans la tête ces derniers temps. Jusqu'à quel point faut-il s'exercer avant de faire du "vrai travail" ?

Je suis actuellement en train de pratiquer/apprendre le dessin numérique pour fusionner le dessin et la photographie. Pour l'instant, je suis loin d'être capable de dessiner au niveau auquel je le voudrais. Dois-je continuer à apprendre et à m'exercer jusqu'à ce que je sois assez bon pour réaliser des œuvres partageables ou dois-je réaliser des œuvres parallèlement à mon apprentissage ?

Je crois qu'un mélange des deux est la meilleure solution et c'est ce que j'ai fait. Il est difficile de travailler réellement sur certaines compétences que l'on pense ne pas avoir maîtrisées. Mais, restons réaliste, a quel point sommes-nous totalement prêts ?

Jamais.

C'est pourquoi il est si important de créer des œuvres à partager avec le monde, quel que soit votre niveau de compétence actuel. C'est ainsi que l'on apprend et que l'on peut consacrer du temps et des efforts aux choses qui comptent, à ce que l'on aime faire. Un photographe qui passe des années à apprendre à photographier des paysages et qui, après tout ce temps, se rend compte qu'il préfère faire des portraits. Quelle perte de temps et d'efforts.

Allez travailler sur les choses que vous aimez, partagez-les avec le monde, et continuez à apprendre.

En matière d'art, il existe un phénomène étrange où les détails semblent ne pas avoir d'importance. Il nous est arrivé à tous de regarder une peinture et d'être émerveillés par les détails et le réalisme du visuel, mais une fois que nous nous sommes approchés, nous avons remarqué que ce n'était qu'un tas de grosses taches de peinture. De près, on ne peut rien distinguer.

Notre esprit est incroyablement doué pour reconstituer les détails manquants.

Hier, je dessinais numériquement (j'essayais de dessiner !) un œil réaliste, et lors de ma première tentative, j'ai passé plus de temps à zoomer sur les détails les plus proches, et au bout d'un certain temps, lorsque j'ai dézoomé, l'image n'avait aucun sens. Les couleurs et les formes ne fonctionnaient pas du tout. J'ai donc recommencé, cette fois de loin et en utilisant un plus gros pinceau. Le résultat était dix fois meilleur. En regardant de plus près, ce n'était pas mieux, mais l'ensemble était tellement plus cohérent.

La même chose se produit en photographie. Nous accordons souvent beaucoup d'attention aux petits détails et nous oublions de regarder la photographie de loin. Lors d'un montage, je regarde toujours la vignette de l'image pour décider si le montage fonctionne ou non et cette minuscule vignette est un meilleur indicateur pour décider si l'image fonctionne que de zoomer pour regarder les détails plus fins.

Les détails fins sont importants mais n'oubliez pas de prendre du recul et de "sentir" si votre image fonctionne. De loin, c'est là que des éléments comme l'harmonie des couleurs, la composition, l'équilibre et les émotions apparaîtront.

Quel est votre objectif lorsque vous sortez pour prendre des photos ? Ou lorsque vous commencez n'importe quel type de projet artistique. Voulez-vous la partager sur les médias sociaux, l'imprimer, la vendre, ou autre chose ? Quelles émotions voulez-vous transmettre ?

Imaginez un ébéniste. Il dit à quel point il est frustré par ses progrès. "Je découpe des pièces de bois depuis des années, je découpe le bois avec une telle précision", explique-t-il "mais mes armoires sont minables et n'ont rien de spécial." Lorsqu'on le presse sur son processus, il explique qu'il commence par couper le bois et qu'il essaie ensuite de fabriquer une armoire avec, mais les pièces ne s'emboîtent pas vraiment bien.

Cela n'a aucun sens, n'est-ce pas ? Vous devez savoir quelle armoire vous allez construire avant de couper le bois.

Il en va de même pour tout ce que vous souhaitez créer. En sachant à l'avance ce que vous voulez faire, votre art sera dix fois meilleur et vous apprendrez tellement plus vite parce que vous aurez des choses tangibles à rechercher et à améliorer en menant à bien vos réflexions du début à la fin.

Ne devenez pas un expert en coupe de bois qui ne sait pas construire une armoire. De nombreux photographes sont incroyablement compétents pour prendre des photos mais ne peuvent pas créer des photos pleines d'émotions. Ils sont cet ébéniste.

Ne soyez pas cet ébéniste.

Qu'allez-vous faire ?

Je n'ai pas été tout à fait honnête dans mon dernier article lorsque j'ai dit que je ne revenais jamais sur mes images après les avoir retouchées. C'est vrai dans le sens où je ne reviens pas sur l'ensemble des images que j'ai faites, mais j'y retourne, parfois même des années plus tard, pour les regarder. Il m'arrive souvent de trouver de nouvelles images que je n'avais pas choisies auparavant ou d'en voir une d'une manière totalement nouvelle.

Dans ces cas-là, je passe du temps sur quelques images et je les modifie. J'essaierai peut-être le noir et blanc ou un recadrage très différent. Jusqu'à présent, après les avoir prises, mon attachement à la scène réelle a disparu et cela me donne une plus grande liberté de création. J'ai l'impression que je n'ai rien à perdre, que je ne peux pas me tromper parce que c'est loin dans le passé, et que je peux être aussi créatif que je le veux.

Si vous vous sentez bloqué dans votre processus créatif, le fait de passer en revue des images plus anciennes peut vous aider à ranimer votre flamme créative. Vous n'aurez pas la pression de produire des images, créez simplement quelque chose que vous aimez. De plus, on ne sait jamais, vous pourriez trouver des joyaux cachés que vous n'avez pas remarqués la première fois que vous les avez regardés.

Bonne chasse au trésor !

Faut-il attendre, et si oui, combien de temps faut-il attendre sur une idée ou un projet avant de le partager ? Oui et très peu.

Les projets de toute une vie sont une chose et chacun devrait avoir certains de ces projets qui lui tiennent à cœur. Mais pour le reste, nous devrions viser à terminer et à passer à la prochaine chose.

Il n'y a pas de formule parfaite, certaines personnes produisent quotidiennement d'autres une fois par mois. Vous devez trouver votre rythme et vous y tenir. Lorsque j'achève un dessin ou que je termine l'édition d'une série de photos, j'aime attendre un jour pour avoir un regard neuf et faire les derniers ajustements, puis c'est terminé. Je ne reviens pas en arrière après cela. Parce qu'il y aura toujours des ajustements mineurs à faire. Un jour, je peux avoir envie d'une balance des blancs plus chaude et le lendemain de tons plus froids. Notre humeur changeant, il est facile de tomber dans une boucle infinie d'ajustements mineurs.

Cette expédition rapide de notre travail nous aidera à grandir plus vite, à apprendre rapidement de nos erreurs et à nous adapter à notre public si nécessaire.

Quoi que vous fassiez, ne laissez pas votre travail prendre la poussière. Il est destiné à être partagé, pas à être parfait.

J'ai parlé de la chance dans un article précédent et du fait qu'elle n'est pas aussi aléatoire qu'elle le semble. Maintenant, qu'en est-il des coïncidences ? Ceci n'a rien à voir avec la photographie ou l'art. D'une manière générale, les coïncidences existes-elles ?

Certaines choses se produisent de manière tellement coordonnée que vous remettez en question les chances qu'elles se produisent. Et plus vous cherchez ces coïncidences, plus elles semblent se produire.

Hier, j'ai sorti un livre de Ryan Holiday de ma cave. Je l'ai vu sur une étagère et je me suis dit que j'allais le prendre à l'étage pour jeter un coup d'oeil. C'est "The Daily Stoic", une série de pensées quotidiennes sur la philosophie stoïcienne. Quelques heures plus tard arrive un email de la newsletter de Ryan Holidays. Quelles sont les chances ? Notez que Ryan envoie très rarement des newsletters, peut-être quelques unes par an tout au plus. Rien de régulier. Et il se trouve que ce message est arrivé quelques heures seulement après que j'ai dépoussiéré son livre.

Il est juste de noter qu'il existe ce mécanisme subconscient qui fait que notre esprit remarque les choses qui occupent nos pensées. Par exemple, si vous cherchez à acheter une nouvelle voiture, disons une Audi S3. Vous pensez que c'est une voiture unique et vous n'avez jamais vu personne en conduire une. En rentrant chez vous, vous en croisez six. Elle n'est plus aussi unique. Elles ont toujours étés là, mais vous n'aviez simplement aucuns intétêts pour les Audi S3 avant ce jour. C'est le principe de base pour lequel les personnes négatives remarquent les choses négatives alors que les personnes positives remarquent les choses positives, c'est ce qu'elles ont en tête.

Mais cela n'explique pas les cas, comme celui de la lettre d'information de Ryan Holiday, où l'après aurait dû être l'avant et vice versa. Techniquement, j'aurais dû lire la newsletter et CELA aurait dû me donner l'idée de sortir son livre. Et non l'inverse.

Voilà, c'est tout. Je n'ai pas de solution ni de pensée claire, si ce n'est que tout ça est une étrange coïncidence. Je suis ouvert à la discussion sur ce sujet. Cela vous arrive-t-il, ce sentiment du genre "ça ne peut pas être une simple coïncidence" ?

En début de semaine, j'ai mentionné l'importance de maintenir votre pratique et la jeunesse de votre cerveau en essayant de nouvelles choses en photographie ou dans toute autre activité. Restez créatif et évitez de répéter le même étapes.

Aujourd'hui, je vais aller plus loin en disant que vous devriez également vous engager dans d'autres domaines. Si vous êtes photographe, essayez la peinture ou la musique. Comment pouvez-vous fusionner les deux en une seule chose ? La musique et la photographie ne semblent pas compatibles. Que diriez-vous de vidéos utilisant votre musique accompagnée de votre photographie ?

J'admets que la fusion de deux formes d'art est une tâche difficile. Et l'écriture ? Tout le monde peut écrire, et avec de la pratique, tout le monde peut écrire magnifiquement. Ajouter du texte à vos photos est un excellent moyen de rendre vos images plus significatives. Il peut s'agir de poésie ou simplement d'un court texte factuel sur la scène. Vous pouvez ajouter ce que vous avez ressenti à ce moment-là ou expliquer davantage ce que les gens ne peuvent pas voir sur la photo. Il existe de nombreuses façons de compléter les photographies par des mots.

L'endroit le plus simple pour commencer est d'ajouter une description significatives lorsque vous partagez des photos sur les médias sociaux.

Beaucoup de gens cherchent à savoir comment les choses sont fabriquées, ce qui est normal si vous voulez apprendre. Et de nombreux instructeurs enseignent en montrant une série d'étapes faciles à suivre.

Mais où l'art et la créativité sont-ils enseignés dans ce cadre ?

Si vous débutez, vous devez chercher à connaître les techniques de l'artisanat que vous souhaitez pratiquer. Une fois que vous avez les techniques, vous devez les essayer par vous-même, à votre manière personnelle. Faites les choses qui vous inspirent.

Il est simple de suivre des instructions et de recréer un résultat similaire, mais il faut du courage et de la pratique pour aller au-delà de ces instructions et créer quelque chose qui vous est propre.

D'après les nombreux cours que j'ai suivis, la plupart des exercices proposés ont des limites très précises qui suppriment généralement toute forme de créativité. C'est plus facile et plus rapide à réaliser pour les étudiants, et cela convient bien à notre société où tout est servi sur un plateau d'argent.

Si vous êtes un étudiant et que vous voulez apprendre, allez au-delà de ce qui est demandé dans les exercices et poussez-vous à penser et à créer quelque chose qui vous est propre.

Si vous êtes enseignant, résistez à l'envie de créer des exercices simples, étape par étape, simplement parce que ce sera plus simple et rapide. Terminez au moins votre enseignement par quelque chose qui demandera aux élèves d'être créatifs. Faites-leur faire de l'art.